Las nueve musas
Magritte

René Magritte. Imágenes de surrealismo

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“El surrealismo es revolucionario, ya que es enemigo irreductible de todos los valores ideológicos burgueses que retienen al mundo en las horribles condiciones actuales”
René Magritte

“¿En qué piensa usted que el surrealismo ha contribuido al arte en general? -En la misma medida en que el psicoanálisis ha contribuido a explorar el subconsciente”
Remedios Varo

El mago. 1951
El mago. 1951

 Presencia de Magritte en España

 La primera exposición retrospectiva de René Magritte en España fue en Madrid a finales de los 80, concretamente en la Fundación Juan March, que tuve la oportunidad de presenciar.

Más adelante, en 1999, en la Fundación Miró de Barcelona se exhibió de nuevo otra antológica que sirvió para que el público catalán pudiera disfrutar del maestro del misterio, la narrativa, los encuentros fortuitos, las metamorfosis y los mecanismos del lenguaje. Después de haberse expuesto La máquina Magritte en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de la capital de España, ahora se ha podido contemplar en Caixaforum de Barcelona.

En total se han exhibido 69 pinturas, fotografías y películas domésticas, la mayoría de ellas provenientes de museos y coleccionistas de diferentes partes del mundo.

René Magritte. Un artista surrealista diferente

 René Magritte (1898. Lessines, Bélgica – 1967. Schaerbeck, Belgica) se formó en la Academia de Bellas Artes de Brujas.  Procedía de una familia conflictiva ya que su padre, de profesión sastre, era alcohólico y jugador, y su madre sufría fuertes depresiones. Sus hermanos eran conocidos como los cherokees por su manera salvaje de comportarse.

En 1919 se traslada a vivir a Bruselas donde compartirá estudio con el pintor Pierre-Louis Flouquet. A través de él contactará con los principales artistas cubistas, futuristas y de otras tendencias estéticas de Amberes, aunque en sus inicios se interesó por los postulados impresionistas. Simultaneará su trabajo pictórico con el diseño de carteles publicitarios acompañado por Victor Servrancks, con quien publicará el ensayo L’art pur. Défense de l’esthétique, el año 1922.

Cabe la posibilidad de que la circunstancia del suicidio de su madre cuando él contaba sólo 14 años diera origen a un lenguaje pictórico muy singular. Contempló a su madre yaciendo en la orilla del río Sambre con la cabeza tapada por un camisón. Habían tardado más de dos semanas en encontrar su cuerpo. Esta escena aparecerá en alguno de sus cuadros de finales de los 20, como por ejemplo en obras donde aparecen cabezas cubiertas por un velo.

surrealista
La mesa, el océano y la fruta, 1927

Curiosamente, otros artistas surrealistas tuvieron también problemas en su juventud, caso de Yves Tanguy a quien se le murió el padre cuando tenía 8 años; Salvador Dalí cuya relación con su padre de profesión notario y abogado fue muy tortuosa, ya que tenía un carácter muy autoritario y que llegó a repudiarlo hasta dos veces. Su figura aparece en diversas ocasiones en sus cuadros, siempre desde una óptica denigratoria y a Max Ernst cuando cumplió 15 años se le murió un loro, circunstancia que le afecto muchísimo, relacionándolo con el nacimiento de su hermana menor. Por ello, solía pintar aves y personas, que a veces fusionaba en sus cuadros.

Magritte de joven se sintió atraído por el cine y la literatura, principalmente la que hacía referencia al misterio y al terror. El tema de los sueños suele ser recurrente en su obra, que guarda relación con el análisis freudiano, sobre todo sí proviene de recuerdos de la infancia.  Más adelante los artistas surrealistas lo adoptarán.  De hecho, a Magritte podemos considerarlo como un surrealista onírico como lo fue Salvador Dalí, ya que ambos daban importancia al mensaje a diferencia de los denominados surrealistas automáticos, caso de André Masson, e incluso en un determinado momento Joan Miró. La unión de ambas líneas de creación es el automatismo-onírico, según lo denominó Max Ernst.

La cascada.
La cascada. 1961

De todos modos, antes de interesarse por los postulados surrealistas se produce una fase de tanteo en Magritte, que pasa por experimentar con la abstracción geométrica y la figuración, tomando la iconografía relacionada con el enigma y el sueño. Conoce la obra de De Chirico que le produce una excelente impresión, influyéndole rápidamente, sobre todo por la representación de personajes en forma de maniquíes y de determinados objetos geométricos.

En 1924 forma el primer grupo surrealista en Bélgica junto a Goemans, Leconte, Souris, Nougé y Mesens, entre otros. Publican diferentes manifiestos, editan revistas y organizan exposiciones. No será hasta 1926 que pinta el primer cuadro surrealista “El jockey perdido”. En esta etapa va dejando claro cuáles serán sus aportaciones al mundo surrealista: aparecen sombras o personajes enigmáticos cuya falta de identidad es bien palpable. Su primera gran exposición sucede en 1927, en la galería Le Centaure de Bruselas, donde la crítica del momento no fue muy generosa con él. Un año más tarde participa en la Exposición Surrealista que tuvo lugar en la parisina galería Goemans.

 La sala de escucha
La sala de escucha. 1958

Es la época en la que reside en París, donde conocerá al grupo surrealista formado por Arp, Breton, Éluard, Miró, y posteriormente Dalí. Una circunstancia que se produce en el movimiento surrealista es que existen diversas disputas entre ellos y principalmente con el teórico del movimiento André Breton, quien, en el Primer Manifiesto Surrealista de 1924 señala que “Tanta fe se tiene en la vida, en la vida en su aspecto más precario, en la vida real, naturalmente, que al final esta fe acaba desapareciendo…”. Esta reflexión del poeta, teórico del arte y escritor francés, sirve para situar el universo creativo de Magritte. Más tarde aparecerán dos manifiestos más, uno en 1930 y el otro en 1942.

Existe un momento en el que Magritte se aparta del surrealismo y se identifica con el impresionismo. Ello ocurre durante los años 1943 al 1945. Esta etapa recibe el nombre de “Periodo Renoir”, que de nuevo vuelve a la línea surrealista. En 1948 también se interesa por el fauvismo, aunque será durante un breve periodo de tiempo, conceptualizado como “periode vache”.

Hasta su muerte Magritte no modificará su estilo pictórico que se mantiene fiel al surrealismo, a pesar de que le correspondió convivir con tendencias opuestas como el expresionismo abstracto. Ha seguido las directrices de Breton hasta el final: “el arte no es simplemente irracional es la interpretación de la razón y la no razón, un equilibrio dialéctico, una progresión lógica cuyo fin es un mundo transformado”.

A Magritte le debemos el hecho de hacernos reflexionar delante de un cuadro, ya que los planteamientos que postula hay que descifrarlos, aunque no nos lo pone muy difícil, debido a que los títulos dan la clave para conocer su significado.

René Magritte
Esto no es una pipa

La máquina Magritte

 Posiblemente la obra más icónica de Magrite sea Ceci n’est pas une pipe, pero no se encuentra en la exposición ya que pertenece a un coleccionista de Los Ángeles y no ha podido viajar hasta aquí, pero las casi setenta obras que se exhiben en Caixaforum tienen igualmente la misma fuerza e importancia que ella. El título de la muestra hace referencia al método y manera de trabajar del artista, como si se tratara de una repetición. Él mismo manifestaba que “desde mi primera exposición, en 1926, he pintado mil cuadros, pero he concebido solamente cien imágenes. Estos mil cuadros existen porqué he pintado variantes de mis imágenes. Es mi manera para entender mejor el misterio, por tenerlo”.

La exposición se divide en siete apartados, pero no de modo cronológico sino temático: Los poderes del mago; Imágenes y palabras; Figura y fondo; Cuadro y ventana; El rostro y la cámara; Mimetismo y Megalomanía.  Los textos del catálogo son obra de Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza, que va desgranando en cada uno de los ámbitos de la exposición las obras que están presentes en ella.

El itinerario se inicia con Los poderes del mago, donde se pueden apreciar los diferentes autorretratos que realizó a lo largo de su vida, entre ellos destacan “El hijo del hombre”, 1964, donde se ve a un hombre con bombín cuya nariz es una manzana verde. Otra pieza interesante es “Tentativa de lo imposible”, 1928, en la que él mismo aparece pintando a una mujer desnuda, con la paradoja que la está creando él. Le falta un brazo que el propio artista lo va pintando. De hecho, ella es una imaginación de él. Se trata de la “enésima versión del mito de Pigmalión, el escultor que consiguió que Afrodita transformase la estatua que había creado en una mujer viva, de carne y huesos”. En “La lámpara filosófica”, 1936, se ve a un fumador de pipa cuya nariz forma parte de la misma pipa. Este extraño personaje mira al espectador. En esta obra aparecen dos de los fetiches del artista: la nariz y la pipa. Para él ambos elementos tienen simbolismo sexual. La nariz tiene una forma fálica que, según Solana, evoca “el monstruoso apéndice nasal de Marie-Thérèse Walter en algunos retratos de Picasso”.  Al lado del personaje hay una vela serpenteante cuya parte superior permanece erecta y está encendida. Otra pieza llena de ilusionismo es “El mago”, 1951, donde se le ve comiendo a cuatro manos. Una le sirve para poner el vino en el vaso, otra la utiliza para ponerse el pan en la boca y con las otras dos corta la carne. Se trata de servirse de sus “superpoderes para alimentarse”.

El siguiente ámbito es Imágenes y palabras, que corresponde a la época en que reside en Paris a finales de los 30. Llegó a crear una cuarentena de cuadros-palabras. Cuadros en los que “las palabras se combinan con imágenes figurativas o con formas semiabstractas, o en qué aparecen las palabras solas, cerradas en marcos y siluetas”, tal como ocurre en “El museo de una noche”, 1927. Es como si estuviéramos delante de un bodegón, pero en lugar de botellas o viandas hay una mano, una fruta -un tomate o una manzana- y dos elementos que no podemos identificar, pero que se asemejan a un zapato plano que recuerda a algunos objetos del dadaísta Jean Arp y un papel doblado y recortado.

El sentido de las realidades
El sentido de las realidades. 1963

Respecto a Figura y fondo, destaca el óleo “La perspectiva amorosa”, 1935, en que aparece una puerta horadada en forma de árbol y detrás de ella surge una hoja enorme que parece crecer al lado de un edificio. Encima de él hay una esfera que parece un homenaje al metafísico Giorgio De Chirico. Para Magritte “la puerta está cerrada, pero abierta: una obertura permite pasar por ella como por la obertura de una puerta abierta”. El tema del cuadro dentro de un cuadro ha sido recurrente en la Historia del Arte, sobre todo en el renacimiento y el barroco. Por ello en la sección de Cuadro y ventana, se expone “Profundidades de la tierra”, 1930, en que observamos un paisaje terrestre dividido en cuatro partes pero que si las unimos forman un todo, ya que considera que “asumiendo literalmente el cuadro-ventana, concluye que diversos cuadros colgados uno al lado de otro habrían de dar un mismo objeto o paisaje”. En cambio, en “La bella cautiva”, 1931, representa un paisaje rural en cuyo primer plano aparece un caballete con una tela para que el pintor la utilice a modo de “a plein air”, pero la tela ya está pintada y se ve la casa que aparece en segundo plano. El autor juega con la dualidad de representar aquello que ya forma parte del cuadro y el paisaje real, ya que “la continuidad sugiere transparencia”.

Para Magritte representar un personaje de espaldas es una tarea habitual en sus composiciones surrealistas, debido a que acompaña “los misterios más variados; con su rostro oculto , es el perfecto testimonio mudo del enigma”, como ocurre con “El principio del placer”, 1937, en donde muestra al poeta inglés Edward James, mecenas del movimiento surrealista y a diferencia del cuadro “El lindar de la libertad”, 1937, en el que mostraba al poeta de espaldas, aquí lo hace de cara pero con el rostro tapado por un halo de luz. La luz, “que se supone destinada a revelar el aspecto de las cosas, es la encargada en este caso de ocultar por medio del deslumbramiento”.

La gran familia. 1963
La gran familia. 1963

Respecto a una de sus obras más famosas “La violación”, la que se exhibe aquí la realizó en 1945, ya que la primera versión data de 1934, el mismo año que se reprodujo en la cubierta del libro de Breton, Qué es el surrealismo. El rostro humano suele ser reemplazado por un objeto determinado. En el caso de “La violación”, los rasgos del rostro, con todo su valor expresivo, son desplazados por partes anatómicas como un mero valor de objeto sexual”. Aquí vemos que el rostro es el cuerpo desnudo de una mujer, cuyos senos son los ojos, el ombligo la nariz, y el sexo la boca. El cuerpo está cubierto por una melena rubia. De algún modo, esta obra la podríamos relacionar con “El gran masturbador” de Dalí, en el que muestra una doble connotación sexual, pero aplicada al hombre.

En el apartado de Mimetismo se muestran algunas obras en las que se aprecia su interés por la metamorfosis como, por ejemplo, vemos en “Descubrimiento”, 1927, en que se ve a una joven desnuda en cuya piel aparece una veta de madera, como si se tratara de una mujer-tigre. El concepto básico de la “ressemblance” (el parecido), no “se refiere a una mera relación de similitud entre dos cosas, sino que implica un sujeto y una transformación”. En “Magia negra”, 1934, aparece una mujer desnuda cuyo cuerpo azul se funde con el fondo del cuadro. Encima de su espalda hay una paloma blanca mientras su mano derecha descansa sobre una roca. “La mujer es una especie de sirena, a medio camino entre dos mundos, entre la carne y el aire, entre la tierra y el cielo”. En la mayoría de los desnudos de esa época la modelo suele ser su propia esposa Georgette Bergen. Para el artista, la desnudez “es un atributo ontológico de la mujer. Apenas lasciva, a menudo casta, ella parece posar, en su belleza hierática”.

Tentativa de lo imposible
Tentativa de lo imposible. 1928

El último ámbito corresponde a Megalomanía, que se refiere a la traducción inglesa de “La Folie des grandeurs” (Delirios de grandeza), en que Magritte realiza un cambio de escala “por medio del cual el pintor extrae un objeto o cuerpo de su contexto habitual y lo sitúa en un medio extraño”. Esta temática recuerda al escritor Lewis Carroll, autor de “Alicia en el país de las maravillas”, que fue muy apreciado por los artistas surrealistas. En la obra “La giganta”, 1929-1931, coloca en una sala a dos personajes, un hombre de medio cuerpo situado de espaldas y una mujer desnuda. La mujer por sus dimensiones parece gigante respecto al hombre, pero no con el espacio, ya que su estatura es normal. En “La sala de escucha”, 1958, ocurre lo mismo, pero con la diferencia que aquí es una manzana verde que ocupa todo el espacio disponible de la habitación. Sólo en su parte derecha se atisba una ventana que permite ampliar el espacio.

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Ramón Casalé Soler - Artes plásticas

Ramon Casalé Soler

Ramón Casalé Soler (Barcelona. 1955)

Museólogo, historiador y crítico de arte

Miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

Miembro del Consejo Internacional de Museos (ICOM)

Licenciado en Geografía e Historia, especialidad en Historia del Arte (Univ. Barcelona)

Máster en Museología y Patrimonio Cultural (Univ. Barcelona)

Curso de Anticuario (Barcelona)

He formado parte de la Junta Directiva, con el cargo de Tesorero, de la Asociación Catalana de Críticos de Arte (ACCA), durante el período 2001-2016

Colaborador del programa de radio “Formas y Ängulos en las cadenas Onda Cero y COPE de Barcelona durante 7 años

Excoordinador de Artes Plásticas del Museo de la Marina de Vilassar de Mar (Barcelona)

Exdirector artístico de la Galería de Arte Sant Pol Art, de Sant Pol de Mar (Barcelona)

Fui corresponsal en España de la revista italiana ARTE IN de Venecia durante 20 años

Formaba parte del Comité de Redacción de la revista digital Mur Crític (ACCA)

Actualmente también soy crítico de arte de la revista BONART de Girona, de la revista ARTE por EXCELENCIAS de La Habana, de la revista digital EL TEMPS DE LES ARTS de Valencia , del periódico L’INDEPENDENT DE GRÀCIA de Barcelona y del FULL INFORMATIU de la Societat Catalana d’Arqueologia de Barcelona.

Asimismo, he sido crítico de las revistas Batik, Arte Omega, Marte de Barcelona, Papers d’Art de Girona, Zerovuittresquaranta y Vilassar Actiu de Vilassar de Mar (Barcelona), entre otras publicaciones, desde los años 1987 hasta la actualidad

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