Carmen Chacón. Ausencias y presencias conceptuales

“Yo no soy lo que me sucedió, yo soy lo que elegí ser”
Carl Jung

 “Una imagen puede ser sin ser percibida: puede estar presente sin estar representada”
Henri Bergson

 Convento de Dominicos. Un espacio conectado con el arte

Recientemente tuve la ocasión de visitar la exposición que la artista gallega Carmen Chacón realizó en el claustro del Convento de Dominicos de la localidad coruñesa de Ortigueira.

Se trataba de Cimientos, un conjunto de obras, la mayoría de ellas instalaciones, creadas en estos últimos años, en las que se adentra de pleno en el terreno conceptual  y que sirven para que observemos su interés por todo aquello relacionado con las propias experiencias vividas, así como de todo lo que acontece a su alrededor y fuera de él.

El Convento de Dominicos es un conjunto arquitectónico del siglo XiV que pertenece a la iglesia de Santa María, aunque a mediados del siglo XVI sufrió un incendio. Se trata de un edificio de estilo barroco. Actualmente   alberga el ayuntamiento de la ciudad, así como el teatro. Las salas de exposiciones ocupan el primer piso del ayuntamiento y el claustro se utiliza para diversos eventos culturales -actuaciones musicales o teatrales-.

Carmen Chacón. Una artista pluridisciplinar

 A Carmen Chacón (A Coruña, 1954) la conozco desde hace más de tres décadas. La primera vez que vi su obra fue con motivo de una exposición que realizó en el Centro Galego de Barcelona, en 1989. Durante los diez años siguientes exhibió su trabajo en diferentes localidades de Catalunya, de las cuales fui testigo: Caixa Barcelona de Montcada i Reixac, galerías Cartoon y Matisse de Barcelona y Can Marc de Begur y Girona, así como en el Museo Monjo de Vilassar de Mar. Todas ellas se movían entorno a la abstracción y la figuración.

Se formó en Interiorismo en la Escuela Maestro Mateo de Santiago de Compostela. Más adelante amplió sus estudios artísticos en el Estudio Arjona de Madrid bajo la dirección de Maria Luisa Esteban. Ha realizado diversos masters, cursos y talleres de grabado, escultura, cerámica y de gestión.

Comparte su labor creativa con la docencia a través de talleres para adolescentes y adultos en diferentes centros de enseñanza, tanto públicos como privados. Entre los premios obtenidos cabe destacar el de Autor Gallego concedido en el Certamen Internacional de Dibujo Genaro Pérez Villamil. Ha recibido becas de distintas instituciones como, por ejemplo, de la Diputación Provincial, la U.I. M. P y la Unión Fenosa de A Coruña.

Su primera exposición individual tuvo lugar en 1985 en la Sala Banco Crédito e Inversiones de Lugo, aunque anteriormente ya había participado en varias colectivas gallegas. Entre sus exposiciones individuales y colectivas cabe destacar las realizadas en el Centro Torrente Ballester, Ferrol (2000), Fundación Laxeiro, Vigo (2011), Kiosco Alfonso, A Coruña (2012) y MAC Fernando Centeno, Genalguacil, Málaga (2017).

 Su obra se ha ido desarrollando a través del empleo de diversas técnicas: instalaciones, esculturas, fotografías, dibujos, cerámicas, grabados, ensamblajes, video creación y objetos relacionados con la naturaleza. En sus inicios se interesó por la figuración, preferentemente el paisaje, la naturaleza muerta, el retrato, el interior y el desnudo. Las dos primeras temáticas se aproximaban al expresionismo y en cambio cuando trataba el desnudo iba encaminado hacia un determinado surrealismo onírico, reflejando el estado de ánimo de la artista.

A principios de los 90 sus dibujos y pinturas -óleos y acuarelas- ya se dirigen hacía la abstracción, incorporando a la tela, cartón, madera y papel, rectángulos, cuadrados o determinados elementos difícilmente identificables, a los que añadía el collage y la materia. Unas finas líneas de color cruzan y dividen la composición e incluso salen del mismo cuadro, como si quisiera dirigirse al infinito. Asimismo, ya se adentraba en el terreno de los objetos, a los que Bernardo Castelo, denominaba como auténticos “ready made”.

 Cada vez más la línea, el color y el espacio van adquiriendo  protagonismo, así como la materia, ya que según la artista “ahora me interesa introducir el fondo y la forma, jugar con eso, la forma se pierde y la materia que anteriormente era algo más simulado, pasa a tener ahora mayor protagonismo”.

A finales del siglo pasado ya se percibía en sus obras su preocupación por los elementos vegetales – hojas-, animales -larvas de mariposa, caracoles marinos- y minerales, caso de los fósiles como si se tratara de estructuras orgánicas que le sirven de estímulo para recordar el pasado, las raíces, lo primitivo, o sea, la propia memoria. Son obras donde se percibe un juego de tensiones y equilibrios, en que aparecen unos perfiles triangulares o alargados, relacionados con los vestigios o huellas de un pasado muy lejano. Respecto al color lo va incorporando suavemente a la tela mediante diversas tonalidades de la misma gama. Por ello los blancos, amarillos, lilas, verdes, ocres, tierras, azules y sienas, reflejan perfectamente la idea de contemplar la sociedad y el entorno físico más cercano.

En 1999 realizó una exposición en la galería Matisse de Barcelona en la que su obra se adentraba plenamente en el terreno vegetal, donde las flores, los tallos, los frutos y las plantas aparecían de modo esquemático en sus composiciones, ya que no era necesario mostrarlas como son realmente. Esta manera de representar la naturaleza se acerca a lo idílico, pero a la vez también es permeable y volátil. Carmen Chacón se refería a esta muestra, titulada Batiendo alas, con la intención de “mostrar mi relación con la naturaleza, lo que también hago es hablar de las relaciones humanas, de mi planteamiento de vida y de mi anhelo de mundo perfecto”.

A partir de principios del presente siglo la artista se va implicando cada vez más en el terreno de la instalación como, por ejemplo, se pudo contemplar en el Centro Torrente Ballester de Ferrol, a través de Painful Fact, donde el imaginario conceptual adquiere notoriedad, aunque la naturaleza vuelve a estar presente en sus obras. Precisamente X. Anton Castro comentaba que sus instalaciones “amplían el paisaje interferido para explicitar un nuevo poemario de nidos, que renacen de los usos domésticos de un simple estropajo que acoge en óvulo la refracción de la naturaleza, alegoría que funde, también ahora, arte y vida”.

El apartado fotográfico también adquiere importancia dentro de su obra conceptual, tal como se pudo comprobar en la muestra Sin ellas celebrada en el Centro Torrente Ballester en 2008 en la que la artista presentó dos series de fotografías –Retornos y Extinción-. En la primera de ellas, une el urbanismo, o sea la ciudad, y la naturaleza, en este caso el mar, donde mezcla o fusiona un parque, un jardín, una calle, un puente o incluso una escalera mecánica cuyo final es el propio mar. En cuanto a la segunda, el tejido blanco deshilachado o con roturas es el protagonista de la serie.

En 2012, en Kiosco Alfonso de A Coruña, la artista mostró El duende marrón-cuero en el banquete, exposición que Juan Martínez de la Colina relaciona con las emociones a partir de los arquetipos provenientes del psiquiatra y psicólogo Carl Jung mediante imágenes pretéritas procedentes del inconsciente colectivo, así como de la Gestalt, o sea de la psicología de la forma. Tanto en un caso como en el otro, la artista es una fiel seguidora de estas propuestas. Por ello, su obra “supone un estudio del Yo ante el mundo, de la propia introspección y la mitología y, finalmente, la entrega a la otredad, la comunicación poética”. De hecho, se inspira en el arquetipo de la sombra dentro del discurso de los invitados del Banquete de Platón.

La temática de los arquetipos tiene su origen en la estancia de la artista en la Universidad de Compostela mientras realizaba el Master de Creatividad Aplicada que impartía Aldana y que ya se pudo contemplar en las exposiciones Painful Fact y Wood Blood -Fundación Laxeiro de Vigo-. Más adelante, concretamente en 2017, Eros y su influencia es el motivo de la exposición ONE WAY, en el MAC Fernando Centeno López de la localidad malacitana de Genalguacil.

Cimientos. Una visión del pasado desde el presente

 La exposición Cimientos la componen unas dieciséis obras, entre pinturas, collages e instalaciones, pertenecientes al periodo 2011-2024. El concepto de cimiento tiene varias definiciones. La más apropiada es aquella que señala el inicio y raíz de algo. Todas las piezas que se exhiben van dirigidas a diferentes aspectos y cuestiones del pasado de la artista, principalmente los provenientes de la infancia, así como “la desolación, el dolor, la fuerza, el cuidado de ese interior pequeño y frágil que guardamos dentro”.

Mientras observaba la exposición y leía los títulos de cada una de las obras, la artista me iba comentando el motivo por los cuales los había ideado -algunas de ellas ya se habían exhibido anteriormente- y verdaderamente no era nada fácil adivinar su significado, ya que los objetos o elementos que la componen no necesariamente representan lo que el espectador observa, como es el caso de un nutrido grupo de zapatos, una cama, un espejo, un nido… Todos ellos cumplen una función determinada que la artista desarrolla de manera conceptual, aunque el objeto suele ser el protagonista. En cambio, cuando se enfrenta a la pintura, de marcada tendencia abstracta, sí que podemos dejar abierta nuestra imaginación.

Precisamente hay un óleo sobre lienzo de grandes dimensiones que invita al espectador a sumergirse en la exposición. Se trata de El nacimiento de la voluptuosidad (2016), donde la luz que desprende se fusiona con el color rojo del primer plano. La explosión cromática inunda toda la obra, como si se tratara de un volcán en erupción, o lo que es lo mismo, el origen de algo, de una nueva vida…

Los óleos La entrada en el Olimpo (2016) y Camino del Olimpo (2023), se mueven dentro del mismo terreno cromático y gestual que la anterior pieza. De hecho, como hemos mencionado anteriormente, a la artista le interesa sobremanera todo aquello que esté relacionado con la mitología. El Olimpo era el lugar de reunión de los dioses más importantes que estaba presidido por Zeus. El Olimpo no deja de ser una metáfora de un pasado que necesita acceder a un lugar superior, o al menos, que integre los deseos de todo ser humano.

El libro de artista Ausencia de límites (2011) es la pieza más antigua de la muestra. En él se recogen recuerdos de la niñez, a través de imágenes de objetos, retratos…, pero también hay una parte oscura que se vislumbra mediante unas manchas negras que cubren una parte del libro. Libro que ya se exhibió anteriormente en el Kiosko Alfonso.

También hay un grupo de pinturas sobre papel con hilos de seda dispuestas a modo de instalación como si se tratara de una mesa cuyas patas son adoquines, por lo que se han de observar de arriba a abajo. Hacen referencia a la serie Nudos en el alma (2022) y consta de doce piezas. Otro grupo de obras, en este caso los collages Lo que habita en mí no es de mi sangre V, VI, VII, VIII (2024), que evocan momentos íntimos, principalmente los vinculados a la infancia, ya que se aprecian objetos muy personales tales como juguetes, fotografías fragmentadas de adultos, ropas o plantas.

El resto de las obras son instalaciones, algunas de ellas muy espectaculares tanto por su contenido como por sus dimensiones, caso de Cuatro esquinitas, 2018, donde aparece una cama con el somier de hierro y encima se ha colocado una arpillera de color negro que solamente cubre una parte de la cama y que se extiende por el suelo. Encima de ella hay unos monigotes de papel. Otra pieza importante es En bandeja, 2018, donde una especie de bandeja hecha de mimbre y escayola lleva consigo una serie de objetos. La peana también es de ladrillo. De todos modos, más que una bandeja parece un nido. Podríamos incluir esta obra dentro del arte povera aunque, de hecho, la mayoría de ellas merecen formar parte de esta tendencia.

En Espejo se advierte perfectamente como a Carmen Chacón le interesa todo aquello que haga referencia al arte textil, ya que la instalación está compuesta por diversos materiales: arpillera, lana, yute, esparto, fieltro, piel y ceniza. Precisamente el espejo está compuesto por la mayoría de dichos materiales. En lugar de vernos reflejado en él es más bien lo contrario, ya que, al ser totalmente oscuro, es como si viéramos la parte negativa de nosotros mismos. Debajo ha colocado dos zapatos rojos, lo que indica que el personaje que se mira en el espejo se trata de una mujer.

Otra instalación que destaca en una de las salas es Sustento (2024), en la que ha dispuesto en el suelo diversas parejas de zapatos (en este caso son las hormas y no los zapatos originales). Una línea de arena oscura, a modo de frontera entre la realidad y la ficción, lo separa de dos zapatos rojos dispuestos encima de dos ladrillos que parecen otear el horizonte ante una posible confrontación o simplemente vigilando. Otras obras que se exhiben son Piedras del camino (2024), Las uvas verdes (2024) de la serie Desgarradas II, Con los huesos molidos (2023) y la serie Las mujeres que llevo dentro (2024).

En conjunto se puede afirmar que la obra de Carmen Chacón, y esta exposición así lo corrobora, va más allá de la propia realidad, y no lo digo desde la vertiente surrealista, sino que al ser una artista poliédrica a la que le interesa todo aquello que esté relacionado con la cultura, o sea el arte, la filosofía, la literatura, la mitología y la historia, pero también lo social -la figura de la mujer principalmente-, lo político y la naturaleza, plasmándolo mediante diversas disciplinas y técnicas. Ahora bien, tanto si se mueve entorno a la abstracción -en el terreno pictórico- y el arte conceptual -a la que debería añadirse la tendencia del arte povera- como en las instalaciones, cada uno de sus momentos creativos no son finitos, debido a que “algunos temas concretos sí, pero el concepto de trabajo que me guía en un determinado proyecto se nutre de alguna forma de fases anteriores” (Carmen Chacón).